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O doce aroma das ilusões perdidas |
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03/08/2009
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Com elenco de primeira linha, o épico Novecento, de Bernardo Bertolucci,
que sai agora em DVD, traça painel do século 20
Luiz Zanin Oricchio
A história da recepção brasileira de 1900 (Novecento, 1976), de Bernardo
Bertolucci, é curiosa. O filme, concebido com oito horas de duração, chegou
mutilado pelos produtores. Além disso, veio em duas partes, que estrearam em
épocas diferentes. Havia outro fator contra. Como o Brasil vivia sob
ditadura, a censura incumbiu-se de picotar ainda mais a obra. Alguns
críticos falam também da baixa qualidade das cópias que os laboratórios
entregaram. O baixo nível da maior parte das salas de exibição da época fez
o resto do serviço.
Mesmo assim, dando todo esse desconto, a maior parte dos críticos apontou
falhas graves no épico do diretor. Acusaram-no de simplismo político e
maniqueísmo. Uma visão superficial, que fazia de camponeses heróis sem
mácula e de proprietários, perversos dignos de Belzebu. Certo, admitiam a
fotografia superlativa de Vittorio Storaro. Viam também qualidades num
elenco que incluía Gérard Depardieu, Robert De Niro, Donald Sutherland, Burt
Lancaster, Sterling Hayden, Dominique Sanda, Stefania Sandrelli. Mas nem
toda essa galáxia podia salvar a epopeia do desastre. Ou, pelo menos, da
relativa decepção que provocou em sua estreia.
Daí a importância do lançamento em DVD duplo de uma versão de 5h14, pela
Cinemax, que, se não é aquela que o diretor projetava, pelo menos se
aproxima desse ideal. A cópia tem boa qualidade. Nela estão preservadas as
cores de Storaro, em seu diálogo com a pintura italiana. Novecento é filme
feito para cinema, um espetáculo de primeira, independentemente do que digam
os críticos de ontem e de hoje. Mas mesmo em tela pequena funciona.
Mas, claro, um filme não é apenas a sua proposta visual, nem a sua
grandiosidade formal. Esse aparato deve ser visto como bem-sucedido se
souber dar corpo a uma ideia e seu desenvolvimento. E, nesse ponto, é
preciso lembrar que, com Novecento, Bertolucci procurou esboçar nada mais
nada menos que um gigantesco painel do século 20, do início até a sua
metade, no encerramento da 2ª Guerra. Não se trata de periodização
arbitrária. Ela obedece àquela que é, até hoje, a grande preocupação do
cineasta e de muitos artistas italianos - a pesquisa das raízes que tornaram
possível o nascimento e permanência do fascismo na Itália.
Se o fascismo é a preocupação recorrente de Bertolucci, nada mais natural
que ele fosse em busca de suas raízes. Daí o painel, cujo esboço começa com
a oposição entre latifundiários e camponeses no início do século e o
acirramento de posições entre uns e outros. Os apelos do comunismo de um
lado e os do fascismo de outro, com as posições sendo progressivamente
enrijecidas pelo conflito. Essa "ideia" cinematográfica ganha corpo na
história dos dois meninos que crescem juntos, separam-se e depois voltam a
se encontrar. Olmo, o filho dos camponeses; Alfredo, o filhos dos
latifundiários. Amigos, rivais, inimigos. Inseparáveis. Uma Itália contra a
outra. Amando-se e odiando-se, conforme a circunstância, pessoal ou
histórica.
Parece ser nessa dialética da convivência entre contrários que Bertolucci
pensa, para armar a sua teoria de uma Itália permanentemente dividida - como
é até hoje, sob um governo apoiado pela maioria e desprezado pelo resto da
população. Dois países que se odeiam. Essa impossibilidade de conciliação em
torno de um projeto comum talvez esteja na origem da permanência de práticas
autoritárias, mesmo que no seio de um país democrático. É a tentação do
fascismo, que ele examina em outras obras, talvez melhores e por isso menos
polêmicas que Novecento: A Estratégia da Aranha (1970), tirada de um relato
de Borges, e O Conformista (1971), adaptado de um romance de Moravia.
Mas se em O Conformista e A Estratégia da Aranha a análise é mais pontual, e
portanto mais precisa, em Novecento, ele se viu obrigado a trabalhar com a
dimensão do painel imenso. E, por isso, várias vezes perde o foco, o que
pode ser, talvez, a principal objeção ao filme. Bertolucci atravessa metade
de um século convulsivo, passa por greves e manifestações, enfrenta as duas
guerras mundiais que traçaram o perfil geopolítico do século passado e, em
boa medida, o deste também. É muita ambição. E a verdade é que, por vezes, a
trama se perde em meandros e desdobramentos folhetinescos. Se a crítica da
época do lançamento comercial, nos anos 1970, podia se queixar dos cortes
abruptos, obra dos produtores aliados aos censores, nós podemos fazer
reparos a certa prolixidade. Ainda assim, visto sem preconceito, o filme
parece muito orgânico.
E talvez num sentido que pode ter escapado à época. Bertolucci não se limita
à escritura política. Procura aliar a análise histórica à ferramenta
psicanalítica, na tentativa de captar o homem em sua inteireza, tanto quanto
isso é possível: como um ser da história e como sujeito do inconsciente. Ou
seja, perdido entre forças que o dominam, o ultrapassam e que ele não
compreende por inteiro. Daí, talvez, que o suicídio do senhor de terras seja
menos caricato do que foi apontado na época. O velho proprietário,
sentindo-se no fim da vida, ainda tenta seduzir uma ninfeta filha de
camponeses, no interior do seu estábulo. Um último suspiro de uma libido
apagada. Sentindo-se impotente para concluir o ato, manda a menina embora,
não sem antes ordenar que ela avise os camponeses que o patrão havia
morrido, mas que a festa deles devia continuar.
A sequência toda nada tem de caricata; pelo contrário, é magnífica, desde
que se entenda a impotência no sentido tanto físico e psicológico quanto
histórico, de percepção de fim de um ciclo. Impossível não lembrar do mesmo
Burt Lancaster em O Leopardo, no papel do Príncipe de Salinas, que adivinha
sua morte pessoal e o fim da classe social a que pertence no romance de
Tomazzo di Lampedusa, adaptado ao cinema por Luchino Visconti em 1963.
Esse diálogo entre obras e cineastas ocupa as entrelinhas de Novecento e
representa, quem sabe?, menos uma análise política realista que o desejo do
homem de esquerda Bernardo Bertolucci. Talvez ainda em meados dos anos 70
ele pudesse vislumbrar, com dificuldade, o velho sonho socialista de morte
de uma classe e ascensão de outra. Bertolucci também não tinha qualquer
preocupação pela imparcialidade no tratamento e confronto das duas classes.
Suas simpatias tinham lado claro e não fazia parte do seu projeto artístico
escondê-las. Por tudo isso, pelo que tem de beleza plástica, psicológica e
histórica, e também por esse encantador aroma das ilusões perdidas,
Novecento é um filme a ser revisto. E com imenso prazer.
(©
Estadão)
Trilha rara de Ennio Morricone volta às lojas
Música do maestro para o filme revela confronto entre classes sociais com
atonalismo no papel de vilão
Antonio Gonçalves Filho
Assim como o épico de Bertolucci, Novecento, lançado pelo selo Cinemax,
esboça uma radiografia da Itália ao eleger dois representantes de categorias
sociais distintas, nascidos no mesmo dia na virada do século 19 para o 20, a
trilha sonora composta por Ennio Morricone traduz o confronto entre extremos
- aristocratas e proletários -, recorrendo às transformações musicais de
cada época. Mais exatamente, Morricone divide os temas principais em quatro
estações, o verão de 1908, o outono de 1922, o inverno de 1935 e a primavera
de 1945 que, teoricamente, deveria trazer aos italianos uma nova esperança
de superar o passado fascista.
A trilha sonora original, fora de catálogo há quase três décadas, acaba de
ser relançada na Itália pelo selo Edel sob licença da EMI Music, que a
lançou em LP em 1976. O selo Mediane já havia produzido há dois anos um CD,
Bernardo Bertolucci, que reúne 16 temas de filmes dirigidos pelo cineasta,
entre os quais se destacavam duas das faixas dessa trilha, Romanzo (tema
principal) e Tema di Ada, escrito para acompanhar os passos da sofisticada
Dominique Sanda. No longa, ela interpreta Ada, a francesa aristocrata
destinada a viver no campo por conta de seu casamento com o latifundiário
italiano Alfredo (De Niro), amigo de infância do camponês Olmo (Depardieu) e
agora em territórios opostos - tanto físico como ideológico.
Até pela filiação ideológica de Morricone, alinhado a diretores de esquerda
como Pasolini e Bertolucci, os temas dedicados ao avanço do Quarto Estado
são os mais eloquentes. O século 20 que começava seria o da nova classe
vitoriosa, o proletariado, o Quarto Estado pintado no histórico painel do
socialista Palizza - que Bertolucci usa no filme e inspira Morricone a
compor um hino derramado (Romanzo) de escalas ascendentes, executadas por um
belo naipe de cordas e vozes femininas.
Em contrapartida, o outono da desesperança italiana, em 1922, quando se
estabelece o Estado fascista de Mussolini, ganha um tema sinistro, atonal
(Morricone sempre recorre às lições da escola de Viena ao registrar a linha
musical do desequilíbrio). Assim, Autunno 1922 é o oposto da melódica
Primavera 1945, variação do tema principal com instrumentos de sopro. O tema
final, Olmo e Alfredo, revela, enfim, o apaziguamento que vem com a morte do
patriarca. É solene, discreto, melancólico. É Morricone pagando tributo ao
mestre, Goffredo Petrassi.
(©
Estadão)
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